Only in New York – An interview with Amy Touchette

Versione italiana in fondo.

From August 3 to 12 we will tackle street photography with “Framing New Yorkers” a hands-on workshop led by Amy Touchette. Born in in 1970, Amy Touchette is a photographer based in Brooklyn, New York, who explores themes of social connectedness through street portraiture. Her photographs have been published in The New York Times, the New York Observer, and BUST magazine, and have exhibited in MoMA-Moscow, Russia, Leica Gallery in Warsaw, Poland, and the Hamburg Triennial of Photography in Germany. Amy also works as a freelance photography writer for publications such as PDN, PDNedu, Rangefinder, and Emerging Photographer magazines. With this interview, we have entered into her world and learned a few things about one’s artistic path and relationship with fear. We hope you’ll enjoy it as we did!

Hello Amy, would you like to tell us something about yourself? Who are you?
Hi! I’m a photographer living in Bed-Stuy, Brooklyn. I was raised in a town outside of Syracuse, New York. After getting an undergraduate degree in Washington, DC and a graduate degree in San Francisco, I moved to New York City. I was anxious to see the world, to keep moving, so I figured I’d stay in NYC for a few years like the other cities before pushing on. But once I figured out how to live in such a huge, intensely energetic, multi-everything city, which took about a year (yoga was key!), I couldn’t imagine myself living anywhere else. I’ve been here for twenty years now.

 

©AMY TOUCHETTE.

You started as a writer and a painter, how did you move to photography? Is writing still an important part of your life?
I wrote poetry for many years until one day in my mid-twenties I realized just how difficult it is to write a poem that could get out of its own way. I knew I didn’t have what it took to do that, and I just fell out of love with writing creatively. I also spent a lot of my formative years in art class, and, as an adult, would nail a big canvas onto a wall in my apartment (usually in my kitchen, which says something about how small my apartments have been!) and make oil paintings in my free time. Before I found photography, I made a series of very large black-and-white oil paintings, realist portraits of jazz musicians that were based on black-and-white photographs I would find in books. I remember taking a painting class at the School of Visual Arts and my teacher asked, “Why aren’t you painting in color?” He was so mystified. I didn’t really have an answer for him; it was just an instinctive choice. But now, looking back, I can see that I was moving toward photography without knowing it. My first photography series, Shoot the Arrow: A Portrait of The World Famous *BOB*, which I photographed in black-and-white film, often pushing my film as much as three stops for a high contrast, grainy, film noir-look, had a similar aesthetic to the paintings I was making at the time.
Anyway, although I found both painting and writing to be really lovely, meditative, intriguing experiences, they were also very lonely, very introverted. They weren’t a perfect fit, and after September 11th, which affected me deeply, I was determined to find the right path for myself. Within a month I enrolled in Photo I at the International Center of Photography (ICP) with street photographer Jeff Mermelstein, not even knowing what an f-stop was, and I was hooked. A few months later, I quit my job as a managing editor and became a freelance writer so that I could pursue photography on my own personal terms, without having to rely on it for income.
All these years later, writing does continue to be a very important part of my life. I write about photography for various magazines (PDN, Rangefinder, Emerging Photographer), and I also write an ongoing series about street photography for the tutorial website Envato Tuts+. Every day I have the same goal—to further my personal vision in photography—so being freelance, having a flexible schedule that allows me to keep photography my focus, is key. I also make a lot of photography connections through writing assignments: it’s how I met my publishers and it’s how I got a solo exhibition that’s happening next month. For me writing about photography and doing photography feel very much the same. It’s just a different way of approaching the medium, and I really enjoy coming at it from another angle. I also love reading about photography—color theory, perception, autobiographies, interviews, all of it—and have a serious love for grammar.

How did your personal research change over time, and why did you decide to focus on street photography?
When I started looking into photography, it was less about what the camera could do and more about the fact that the kind of photographing I was interested in required I be out in the world experiencing it. I wanted to learn how to gain someone’s trust and I wanted to learn how to be okay with (and even enjoy) life’s unpredictable nature. The fact that I could record my interactions was a very exciting, important, and challenging part of the process, but it was secondary to the experience of photographing people and gaining those skills.

©AMY TOUCHETTE.

How did you “learn” to overcome the fear of connecting with strangers? What’s so challenging in street photography?

I’m not sure I’ve ever overcome the fear of connecting with strangers; I’ve just gotten used to the feeling of fear, and I’ve learned that the only way to deal with fear is to press through it, to embrace it, to not deny it, but instead investigate where it comes from. Often the things we fear are the things that mean the most to us; it is like a passion radar. Not all the time, of course. Sometimes fear is telling us to get the @&*$% out of some place! But often it is not. Often it is telling us what we care about, and with some time and sensitivity, it will also tell us why we care about it.
That said, there are techniques that have helped me learn to deal with fear appropriately. But to think one will overcome it is the first misconception to correct. Turning off our ability to feel fear would be the worst thing we could do as a human species. What’s so challenging about street photography is different for everyone, but for most people it is this very topic—fear. I think learning how to communicate with strangers and understanding the role that chance plays when you’re photographing real life can also be challenging for people.

Your future students know you as a photographer, what should they expect from Amy Touchette the educator? What kind of teacher and mentor do you think you are?
I spent many years working as a teacher assistant at ICP because I was fascinated watching my mentor, Karen Marshall, decode each student’s unique personal vision. Educating is maybe the polar opposite of photographing; it forces you to get into the mind of each student, to remove your own opinions and proclivities and inhabit someone else’s, whereas photographing is about being as much in your own personal passion as possible. So teaching can be very equalizing, and that’s so important to me—to be balanced. As a teacher, my aim is to reflect students’ back to themselves so that they can see who they are. That is at the heart of everything—and all that matters when you are honing your artistic vision. I hope I am a sensitive teacher, a kind and open one who is interested in building relationships with students and savouring life.

©AMY TOUCHETTE.

What should one expect from your workshop “Framing New Yorkers”? What would you suggest to all those who are going to experience a workshop like this for the first time?
We’ll spend from 10am to 2pm in discussion, talking about work, sharing work, analyzing the experience of street photography, breaking it down into bite-size pieces so that going out and photographing the lovely chaos of the real world feels more manageable. Some of the sessions will take place in my apartment in Bed-Stuy, Brooklyn; most will take place in a classroom facility. Then, late afternoons and evenings, students will be free to explore New York City alone or with classmates or whomever, leaving room for lots of fun. The workshop takes place over ten days, but there are only seven days of instruction, so students will also have three entire days off to themselves. My main suggestion is to come with an open, curious mind—to really leave everything behind so that when you are here you can focus on following your own whim: creating work and experiencing New York and making friends and having fun, all at the same time.

You must have a deep connection with the human milieu of New York City, can you tell us something about it?
I’m a huge fan of New York City for many reasons, but my favorite thing about this city is the people. The population is so diverse, even so-called misfits belong. There is the saying “only in New York,” which is meant to express that anything goes here—and is expected to go on here—and I can’t imagine a more fascinating or edifying place to be than one that is expected to attract it all. I am comfortable in the chaos of New York City; hearing my neighbor’s footsteps in the apartment above me brings me ease. It reminds me I am not alone, that my actions are part of a collective that I am responsible for contributing to. This city means I have to keep it real, and I am so indebted to it for that.

©AMY TOUCHETTE.

If you could pick a famous personality, or a place, a book, a song about New York, what would be your choice?
This is a great question, and it’s hard to choose, but I would say The Invisible Man, by Ralph Ellison. This extraordinary novel is more about racism than it is about New York City. But a lot of it takes place in Harlem and brings readers intimately close with the world at large when it’s not organized to run in your favour. Ralph Ellison’s prose are also the most expressive sentiments and grammatical structures I’ve ever encountered. After you read it, you kind of understand why he never wrote another book. It’s a masterpiece in so many regards—impossible to top.
If I could offer a second choice, it would be Crosstown, by Helen Levitt. Her ability to capture the joy and spontaneity on the streets of New York is like no other’s. She is a major inspiration of mine. And actually, some of the images included in her book were made in Harlem during the 1930s and 40s, when The Invisible Man took place.

What are your future projects?
Right now I’m busy preparing for a solo exhibition of a new body of work, The Young Series, coming up next month (February 22-March 16) at Cal Poly State University Art Gallery in San Luis Obispo, California. This is a series of street portraits of teenagers in New York City, O’ahu, Hawaii, and Tokyo, Japan, that I made with my Rollieflex. The portraits will be shown in groups of three or pairs, in hopes of compelling viewers to make connections between the sets of teenagers.
The last couple of years I have been making street portraits of people in my neighborhood, Bed-Stuy, Brooklyn, also with my Rolleiflex. I’m not sure when it will be complete; this neighborhood is very special to me and I want to give back to it somehow, so I plan to keep at it until I feel I’ve been thorough.
I am also always making candid (unposed) pictures of strangers with my iPhone and posting them on Instagram. It’s such a different way of working than asking people’s permission to photograph them first, as I do with my Rolleiflex, and I enjoy coming at street photographer from these two very opposite approaches. It also feels really good to stay loose with photography, to make and share pictures quickly, in the way that phone cameras and social media allow.

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For more information about “Framing New Yorkers”, you can check the workshop page or contact us directly at info@photoworkshopnewyork.com. Take part in the PWNY Open call: three scholarships to allow three young photographers aged 28 or younger to take part in PWNY2018!

The workshop is open to everyone — of any age, nationality and level of photographic experience. We hope to see you at #PWNY2018!

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Intervista ad Amy Touchette, la docente del workshop “Framing New Yorkers” in programma dal 3 al 12 agosto a New York!

Ciao Amy, ti piacerebbe raccontarci qualcosa su di te? Chi sei?
Ciao! Sono una fotografa e vivo a Bed-Stuy, Brooklyn. Sono cresciuta in una città fuori Syracuse, New York. Dopo essermi laureata a Washington DC e a San Francisco, mi sono trasferita a New York . Ero ansiosa di vedere il mondo, così ho pensato di fermarmi a New York per pochi anni prima di spostarmi in altre città. Ho impiegato un anno ad abituarmi a vivere in una città così energica e intensa, fare yoga è stata la svolta, ma ora non posso immaginare di vivere altrove. Ormai sono qui da vent’anni.

Hai iniziato come scrittrice e pittrice come sei arrivata alla fotografia? La scrittura è ancora una parte molto importante della tua vita?
Ho scritto poesie per molti anni, finché un giorno a venticinque anni ho realizzato quanto potesse essere difficile scrivere un poema che uscisse dagli schemi. Sapevo che non avevo tutti gli strumenti per farlo, e mi sono disinteressata della scrittura creativa. Ho trascorso molti dei miei anni formativi frequentando corsi d’arte, da adulta, attaccavo grandi tele sui muri del mio appartamento (spesso nella mia cucina, questo vi fa capire quanto fossero piccole le case dove ho vissuto) e le dipingevo a olio nel mio tempo libero. Prima di approdare alla fotografia, ho realizzato una serie di grandi tele ad olio in bianco e nero, raffiguravano dei ritratti molto realistici di musicisti jazz, ispirate ad alcune fotografie in bianco e nero che avevo trovato in alcuni libri. Ricordo che frequentavo un corso di pittura nella scuola di Arti Visive e il mio insegnante mi chiese: “Perché non dipingi a colori?”. Era così disorientato. Non ho mai avuto una vera risposta per lui, era solo una scelta istintiva. Ma adesso, guardandomi indietro, posso capire che stavo muovendo i primi passi verso la fotografia senza saperlo.
La mia prima serie fotografica,”Shoot the Arrow: A Portrait of The World Famous *BOB*” che avevo realizzato fotografando in bianco e nero, usando il mio rullino fino a tre stop sotto per ottenere un grande contrasto e una granulosità tipica dei film noir, era molto simile ai dipinti che stavo realizzando in quel periodo. Ad ogni modo, anche se ho trovato la pittura e la scrittura molto belle, meditative, si tratta di esperienze molto introverse. Non erano percorsi adatti a me, e dopo l’11 settembre che mi ha colpito profondamente, ero determinata a trovare la strada giusta per me. Nel giro di pochi mesi mi iscrissi al centro internazionale di fotografia (ICP) con lo street photographer Jess Mermelstein, non sapevo neanche cosa fosse uno stop, e rimasi affascinata. Pochi mesi dopo lasciai il mio lavoro come redattore capo e diventai una scrittrice freelance, così potevo seguire la fotografia a modo mio, senza dover fare affidamento su di essa per mantenermi. Ancora oggi la scrittura continua a essere una parte molto importante della mia vita. Scrivo di fotografia per varie riviste (PDN, Rangefinder, Emerging Photographer), e sto scrivendo anche una serie sulla street Photography per il sito Envato Tuts+. Ogni giorno ho gli stessi obiettivi – ampliare la mia personale visione sulla fotografia – quindi la chiave per diventare freelance è avere un programma flessibile per mantenere l’attenzione sulla fotografia. Ho realizzato tante fotografie in relazione alla scrittura, è così che ho conosciuto i miei editori, e il mese prossimo farò una mia mostra. Per me scrivere di fotografia e fare fotografia è la stessa cosa. E’ solo un modo diverso di approcciarsi allo stesso mezzo, e io mi diverto davvero tanto a guardare dalle diverse angolazioni. Amo leggere di fotografia, la teoria dei colori, percezione, autobiografie, interviste, e ho un grande amore per la grammatica.

Com’è cambiata la tua personale ricerca con il tempo, e perché hai deciso di focalizzarti sulla street photography?
Quando ho iniziato a studiare fotografia, sapevo poco di ciò che la macchina fotografica potesse fare, e ancor meno di che tipo di fotografia mi interessasse, era necessario andare in giro a capirlo. Volevo imparare a guadagnare la fiducia di qualcuno e cercavo di stare bene (perfino a divertirmi) in mezzo alla naturale imprevedibilità della vita. Il fatto di poter registrare le mie interazioni è stata una parte molto eccitante, importante e stimolante del processo, ma era secondaria all’esperienza di fotografare le persone e acquisire delle capacità.

Come hai imparato a superare la paura di interagire con degli estranei? Qual è la sfida che pone la street photography?
Non sono sicura di aver superato la paura di interagire con degli sconosciuti; Mi sono solo abituata al sentimento della paura e ho imparato che l’unico modo per affrontarla è di abbracciarla, non di negarla, capire da dove proviene. Spesso le cose di cui abbiamo paura sono quelle che hanno più significato per noi, è come un radar per la passione. Non tutte le volte, certo. Spesso la paura ci dice di levarci di torno da un luogo il prima possibile. Ma a volte non succede così. Spesso ci dice cosa ci importa e con un po’ di tempo e sensibilità ci dirà anche perché teniamo a quella cosa. Detto questo, ci sono tecniche che mi hanno aiutato ad imparare ad affrontare la paura in modo appropriato. Ma pensare di superarla è la prima cosa da correggere. Annientare la nostra capacità di provare paura sarebbe la cosa peggiore che potremmo fare come esseri umani.
Ciò che rende la street photography così difficile è diverso per tutti, ma per la maggior parte delle persone è proprio questo – la paura. Penso che imparare a comunicare con gli estranei e capire il ruolo che il caso gioca quando si fotografa la vita reale possa essere un’ulteriore sfida per le persone.

I tuoi futuri studenti ti conoscono come fotografo, cosa dovrebbero aspettarsi da Amy Touchette l’insegnante? Che tipo di insegnante e mentore pensi di essere?
Ho trascorso molti anni lavorando come assistente all’ICP perché ero affascinata dal mio mentore, Karen Marshall, che analizzava la visione personale e unica di ogni studente. Insegnare è forse l’esatto opposto del fotografare; ti costringe a entrare nella mente di ogni studente, a rimuovere le tue opinioni e inclinazioni e ad abitare qualcun altro, mentre fotografare vuol dire essere il più possibile nel tuo modo di vedere. Quindi l’insegnamento può essere molto equilibrato, ed è molto importante, per me, essere equilibrata. Come insegnante, il mio obiettivo è quello di far riflettere gli studenti su sé stessi in modo che possano vedere chi sono. Questo è il cuore di tutto – e tutto ciò che conta quando stai affinando la tua visione artistica. Spero di essere un’insegnante sensibile, gentile e aperta a chi è interessato a costruire relazioni con gli studenti e ad assaporare la vita.

Cosa ti aspetti dal tuo workshop “Framing New Yorkers”? Cosa suggeriresti a chiunque sia intenzionato a fare un’esperienza come questo workshop per la prima volta?
Dalle 10 alle 14 discuteremo, parlando di lavoro, condividendo il lavoro, analizzando l’esperienza della street photography, scomponendo tutto in pezzi più piccoli, in modo che uscire a fotografare il delizioso caos del mondo diventi più gestibile. Alcune delle lezioni si svolgeranno nel mio appartamento a Bed-Stuy, a Brooklyn; la maggior parte in aula. Poi, durante i pomeriggi e le sere, gli studenti saranno liberi di esplorare New York da soli o con compagni di classe, lasciando spazio a tanto divertimento. Il workshop si svolge nell’arco di una decina di giorni, ma ci sono solo sette giorni di lezione, quindi gli studenti avranno anche tre intere giornate libere perfotografare. Il mio principale suggerimento è di venire con una mente aperta e curiosa – lasciarsi tutto alle spalle per potersi concentrare sui propri sogni: scattare fotografie, sperimentare New York, fare amicizia e divertirsi, tutto allo stesso tempo.

Devi avere una profonda sintonia con gli abitanti di New york, puoi raccontarci qualcosa a riguardo?
Sono una grande fan di New York, per tante ragioni, ma la cosa che preferisco sono le persone. La popolazione è così diversa, anche i cosiddetti “disadattati” ne fanno parte. C’è un detto “solo a New York” che vuol dire che qualsiasi cosa va bene, e credo che sarà sempre così, non posso immaginare un posto più affascinante o edificante di questo, che attira chiunque. Sono a mio agio nel caos di New York: sentire i passi del mio vicino nell’appartamento sopra al mio mi fa sentire bene. Mi ricorda che non sono sola, che tutte le mie azioni fanno parte di un quadro generale più grande al quale contribuisco pure io. Questa città mi fa capire che sono reale, che esisto e vivo all’interno di un contesto e sono in debito con essa per questo.

Se potessi scegliere un personaggio famoso, un posto, un libro o una canzone su New York, quale sceglieresti?
Questa è una bella domanda, è una scelta difficile, ma penso che sceglierei The Invisible Man, di Ralph Ellison. E’ un romanzo straordinario che parla più di razzismo che di New York in sé. Il romanzo parla molto di Harlem e porta i lettori in maniera intima a confrontarsi con il mondo intero quando non va a tuo favore. La scrittura di Ralph Ellison è molto espressiva e sentimentale, e anche la struttura grammaticale è una delle più complesse che abbia incontrato. Dopo averlo letto capisci perché non ha più scritto nessun altro libro. E’ un capolavoro in molti aspetti impossibile da superare.
Se avessi un’altra possibilità di sceglierei Crosstown, di Helen Levitt. Ha un’immensa capacità di catturare la gioia e la spontaneità per le strade di New York come nessun altro. E’ una grande fonte di ispirazione per me. E infatti alcune delle immagini incluse nel suo libro furono realizzate ad Harlem negli anni ‘30 e ‘40 dov’è ambientato The Invisible Man.

Quali sono i tuoi progetti futuri?
Adesso sono impegnata a preparare una mostra sul un nuovo lavoro The Young Series, si terrà il prossimo mese dal 22 febbraio al 16 marzo alla Cal Poly State University Art Gallery a San Luis Obispo, in California. Si tratta di una serie di ritratti fatti ad adolescenti per strada a New YorkT, O’ahu, alle Hawaii, e Tokyo, in Giappone, e stati realizzati con la mia Rolleiflex. I ritratti saranno mostrati in gruppi di tre o due, nella speranza che gli spettatori riescano a fare collegamenti tra i vari adolescenti. Negli ultimi due anni ho realizzato ritratti di persone nel mio quartiere, Bed-Stuy, a Brooklyn, anche con la mia Rolleiflex. Non sono sicura di quando questo progetto sarà completo; questo quartiere è molto speciale per me e voglio mostrarlo in un certo modo, quindi ho intenzione di continuare fino a quando non sarò sicura di essere stata scrupolosa.
Inoltre, realizzo anche foto spontanee (non in posa) di estranei con il mio iPhone e le pubblico su Instagram. È un modo di lavorare molto diverso dal chiedere il permesso alla gente di fotografarla, come faccio di solito con la Rolleiflex, e mi piace la street photography per questi due aspetti diversi. E’ bello potersi rilassare con la fotografia, scattare e condividere le immagini velocemente, come ci consentono di fare gli smartphone e i social media.

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Per altre informazioni sul progetto “Framing New Yorkers”, puoi dare un’occhiata alla pagina del workshop o contattarci direttamente a info@photoworkshopnewyork.com. Ricorda che se hai 28 anni o meno puoi partecipare alla call per assegnare tre borse di studio che permetteranno a tre giovani fotografi di partecipare ai workshop della nona edizione di PWNY.
Il workshop è aperto a tutti — qualsiasi età, nazionalità o livello di esperienza fotografica. Ci vediamo a #PWNY2018!